Danae de Rembrandt

Son ya 406 años del nacimiento de este gran artista. Rembrandt Van Rijn.

Nacido en Leyden, en 1606. A los 18 años era ya maestro y contaba con varios discípulos. Es así como se reconoce sobre todo porque esta lo ubicó como el maestro del claroscuro y del retrato por el matiz y brillo que le aplicaba a sus obras.

A partir de los años cuarenta se incrementó la tensión dramática de su obra, puso más empastes y tonalidades sombrías.
El último período del artista fue de soledad; los pedidos escasearon y también los discípulos.  Falleció en 1669. En su caballete se encontró una obra no terminada de Simeón ante el niño Jesús, como un presagio de su propia ancianidad ante la justicia divina.

Pero hoy, quiero enfocarme en una obra en particular: Danae.

El cuadro, un óleo sobre lienzo de 81,1 x 67,8 cm,   muestra a una joven, de medio cuerpo, incorporándose del lecho y descorriendo con la mano izquierda una cortina de color rojo. 

"Esta es una pintura al óleo sobre lienzo realizada en 1636 pero modificada posteriormente del mismo Rembrandt. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo y está firmada y fechada así: "Remb (...) F 1 (...) 6." Tomado de.

Esta pintura representa el carácter mítico de Danae, dando la bienvenida a Zeus en su cama, y que más tarde dio a luz a su hijo, Perseo. El autor utilizó originalmente con su primera esposa, Saskia, como el modelo de la pintura, pero más tarde reemplazó a su cara con la cara de su amante Geertje Dircx. Rembrandt representa a la joven en su cama, iluminada por una luz dorada, lo que podría aludir a la pureza del amor divino, un concepto reforzado por la presencia de un amorcillo en la cabecera de la cama, símbolo de la castidad.

Es una pena que en 1985, un hombre le arrojara ácido en la pintura que colgaba en la exhibición en el Museo del Hermitage. También cortar la lona dos veces con un cuchillo. Las partes más dañadas de la pintura fueron a la cara y el pelo de Danae, su brazo derecho y las piernas. La restauración de la pintura comenzó el mismo día, y fue terminada doce años después. Entonces el hombre que lanzó el ácido fue posteriormente declarado DEMENTE y con mucha razón.

En otro detalle, se observa que mientras el brazo derecho lo mantiene  apoyado en un almohadón, al tiempo que intenta cubrirse el pecho con la mano. Incluso la joyería que lleva puesta hace intuir que no es una mujer de bajo status.

Mientras que al fondo del cuadro se observa una mujer que lleva puesta una camisa de color blancuzco que le cubre parcialmente el torso, dejando al descubierto el hombro y el pecho derechos. Su mirada se dirige hacia fuera del cuadro, pero parece que dentro de la estancia en la que se encuentra, pues sus ojos dan la impresión de que se posan en algo cercano a la cama. La luz se proyecta desde la derecha de la joven. El fondo aparece oscuro, lo que hace que la figura femenina adquiera un mayor volumen, que se acentúa con la intensa iluminación que origina sombras donde ésta no llega. Al fondo, tan sólo se puede adivinar el cabecero de la cama, de madera tallada, apoyado seguramente en una pared.

Rembrant, fue un pintor que dejó marcada herencia a grandes artistas venideros, como Goya y Delacroix, y fue denominado por los expertos como el mejor grabador de todos los tiempos, una faceta que el artista cultivó de forma imbricada a su pintura.  

Es así como esta pintura me expresa y transmite paz gracias a los colores bajos en intensidad y la calma notable de la mujer que en esta obra aparece. Es una obra relajante y agradable a la vista.

Cuando una persona mira un cuadro es evidente que verá una serie de aspectos y otros que no verá. De los aspectos o características que vea unas las podrá definir y otras no sabrá.

Pietà - El Greco

El Greco, 1571-1576

Óleo sobre tabla • Manierismo

29 cm × 20 cm

Philadelphia Museum of Art, Pensilvania,  Estados Unidos

La Piedad es una obra de El Greco, realizada entre 1571 y 1576 durante la estancia del artista cretense en Roma.
Esta obra no es nada más que madera pintada al temple. Tiene una clara influencia del arte de Miguel Ángel, aunque introduce un esquema triangular cuyo eje se centra en los brazos de Cristo y en el rostro triste y demacrado de la Virgen.

Las figuras de la composición se encuentran en medio de un paisaje montañoso donde se alzan las tres cruces del Monte Calvario. El Greco emplea tonos similares a los pintores venecianos del Renacimiento, pero sin perder sus características romanas. Se puede definir una parte del día entre las 5 de la tarde. Un paisaje tenebroso y sombrio donde combina con el rostro de la virgen el dolor de perder a su hijo.

La pintura tiene una composición piramidal y proporcionada, que muestra el cuerpo de Jesús muerto, bajado de la cruz y siendo sostenido por las dos mujeres para que en el regazo de la virgen descanse el cuerpo muerto de Jesus.

El brazo derecho de Jesús cae inerte, en contraposición del brazo izquierdo de María que se nota la fuerza que tiene para poderlo sostener. Así mostrando consternación. El brazo derecho de la Virgen sostiene el torso de Jesús.

Se nota la mano del brazo derecho de la Virgen y por el lado contrario el de Maria Magdalena sujetando el torso de Jesús muerto. 

El rostro de Jesús, esta a medio perfil, muestra una expresión plácida, casi descansada. Se interpreta como el hecho de que Jesús cumplió su mandato en la tierra y su tranquilidad reemplaza todo signo de padecimiento físicos sufrido en su pasión.

Y es así como de esta obra se han hecho varias réplicas no solo pictóricas sino esculturas como lo es la famosa pieza de Miguel Ángel en donde guarda la misma admiración y la misma analogía que la pintura del Greco, dejando al observador un sentimiento de admiración por la imagen representada y de hecho lograda al 100% por su gran sentimiento, de expresiones alusivas, y de técnica incomparable.

Sirena de René Magritte

Una de las obras, quizá menos analizadas pictóricamente, de René Magritte. Y, que en mi opinión es una de las más hermosas por la temática real-ficticia acerca de la existencia de las sirenas.

Ha llamado mi atención por lo compleja en su representación,  aún cuando puede parecer una pintura de fácil ejecución. Una obra que transmite la intriga respecto a la magia de seres ¿mitológicos?. Está muy marcado el surrealismo en esta obra y cada persona puede darle su propia interpretación, lo que el o ella sienten en ese momento al verla. 

El caso de René Magritte es paradigmático, uno estaría tentado a decir (o a pensar) que es un pintor que pinta con el pensamiento. Un pintor que creía en “la importancia del misterio evocado de hecho por lo visible y lo invisible, y que puede ser evocado en teoría por el pensamiento que une las cosas en el orden que evoca el misterio.” [Fuente de referencia]

Conforme se va observando la obra, a primera vista se nota el toque surrealista y la habilidad de Magritte para fusionar a dos seres en uno. Los surrealistas rechazaban el control, la composición y la lógica, y definitivamente eso parece explicar esta obra.  En ella creó una atmósfera de quietud pero sombrio, en el cual se puede apreciar la quietud de las olas y el extraño monstruo que parece marino en estado de descompocision a manera de representar la muerte y como las cosas tienen un ciclo, el deterioro.

Si analizamos la atmósfera al fondo de la obra, los colores que aplicó Magritte son fríos, simulando clima tenebroso y solitario, aún cuando el movimiento de las olas, incita a la quietud.

El significado de la pintura depende de cada persona, pero en mi opinión, esta pintura me deja una sensacion agridulce en cuanto a la forma y al personaje principal sobre el valor de la muerte y la vida. Al contemplarla muy detenidamente he llegado incluso a imaginar un olor nauseabundo de pescado. La boca semiabierta del pez, enmudecido por ahogarse entre aire cuando su verdadera vida perteneció una vez al agua, indican que alguien tiene el poder para hacernos callar y quedarnos en silencio perpetuo.  Esa persona es el artista que lo quiso pintar de esa manera. Hablando por él mismo, quizá. El significado de la obra sería que sólo el artista a través de sus trabajos puede conquistar la inmortalidad y el tiempo.

La “transformación” al momento de observar las piernas, nos confunde un poco ya que sabemos que aparte de jugar con la realdad, se está contruyendo otro punto de vista desde nuestra percepción de los objetos o seres y al hacerlo nos permite ver hasta que punto llegamos a caer en cuenta de las grandes e incluso, infinitas posiblidades del existir de los seres.

Desde mi punto de vista, las sirenas SÍ existen, tan solo es cuestión de no dejarse llevar por lo que los cuentos de la mitología y la ciencia quieren hacernos ver. Esta obra, sin duda tiene una belleza muy bizarra que llega a colapsar al momento de reaccionar para reconocer que el personaje principal que Maritte quiso representar, está muerto y que lejos de constituir una explicación de la imagen, hace cuestionarnos.

Los significados de otras obras de René Magritte no son siempre tan claros. En algunos el simbolismo no es captado tan facilmente por los que observan las obras, más que el artista.   Sus imágenes son muchas veces surreales dentro de lo inexplicable, raras o sádicas que algunas personas las han catalogado como obras de un loco.